ENGLISH

Lourdes Rivera is a plastic artist who has developed a technique that mixes a wide variety of tools and mediums to create her artworks. She was born in mexico city but lived most of her life in San Diego, CA. where she painted and showed at different artists studios and galleries in California and Tijuana.

Rivera is the creator of Manuk Gallery an artistic space that she later opened in San Miguel de Allende at la Fabrica la Aurora. A sensitive woman attracted by the colors of nature and the world that surrounds her, she is always creating artworks that evoke emotions and hide organic forms or cityscapes between the brushstrokes and the textures she creates.

Her work that a few years ago was based on minuscule detail followed by realism now frees itself into a world full of textures where you can find the essence of nature as well as shapes that surround our daily life.


"The deep brushwork of Lourdes Rivera takes us through enigmatic characters and colorful natural beings dressed in various shades and textures. Their unique personalities seize our curious and attentive gaze. Likewise, their silhouettes emerge from the surface like ancient anthropomorphic figures that perhaps represent archaic emotional states, ancestral manifestations, and primitive gestures, while plants and animals accompany them. In this case, it is nothing less than the unconscious itself pulsating through her abstract strokes that describe anonymous bodies, unknown faces, deconstructed landscapes, joyful vegetation, and primordial ideologies. Without a doubt, these intriguing presences are outlined with compositional strength amidst uncertain atmospheres; however, together, they present us with images that feel familiar and known to the psyche.

Her prelude of colors, shapes, and protagonists evolves and matures into a beautiful pictorial discourse that oscillates between sophisticated naivety, fascinating Fauvism, and Neo-expressionism. Therefore, her protagonists are recreated in complex scenarios located deep within the imagination, filled with symbolism, and, hence, are far removed from the conscious world. In this sense, her work takes us, with great detail, to a pure state of understanding, quite distant from the real, like a first notion that is just beginning to emerge about what reality truly is.

It is worth noting that she captures this in a playful way, with some prehistoric, tribal, and even metaphysical references, but above all, from the deep recesses of her creative intuition, which grants her absolute freedom when painting. Therefore, in her paintings, we observe allusions to the popular, the instinctive, to seemingly childlike situations, yet laden with hidden meanings. We also perceive sensations hidden in the spirit that materialize in an abstract expressionist manner and, of course, we delight in a wide experimentation of materials, techniques, and elements in her canvases. That is why Lourdes Rivera is a sensitive creator of original color palettes, both sunny and cloudy, an exceptional delineator of contours, lights, and shadows, and, especially, a skilled creator of various reliefs and compositions in painting. While both spontaneity and freedom reign in her pieces, much like a tree that never stops growing, it is not the improvisation without meaning."

Adriana Cantoral 2025

ESPAÑOL

Lourdes Rivera es una artista plástica que ha desarrollado una técnica que mezcla una amplia variedad de herramientas y medios para crear sus obras de arte. Nació en la ciudad de México pero vivió la mayor parte de su vida en San Diego, CA. donde pintó y expuso en diferentes estudios y galerías de artistas en California y Tijuana.

Rivera es la creadora de la Galería Manuk, un espacio artístico que luego abrió en San Miguel de Allende en la Fabrica la Aurora. Mujer sensible atraída por los colores de la naturaleza y el mundo que la rodea, siempre está creando obras de arte que evocan emociones y esconden formas orgánicas o paisajes urbanos entre las pinceladas y las texturas que crea.

Su trabajo que hace unos años se basaba en minúsculos detalles seguidos del realismo ahora se libera en un mundo lleno de texturas donde se puede encontrar la esencia de la naturaleza así como las formas que envuelven nuestro día a día.

“El profundo pincel de Lourdes Rivera nos interna por entre incógnitos personajes y coloridos seres naturales ataviados de diversas tonalidades y texturas. Sus singulares personalidades se apropian de nuestra mirada curiosa y atenta. Asimismo, sus siluetas emergen del soporte como antiguas figuras antropomorfas que quizás representan estados emocionales arcaicos, manifestaciones ancestrales y gestualidades primitivas, mientras que sus plantas y animales los acompañan. En ese caso, se trata de, nada más y nada menos, el inconsciente mismo pulsando por entre sus trazos abstractos que describen cuerpos anónimos, rostros desconocidos, paisajes deconstruidos, vegetaciones alegres e idearios primigenios. Sin duda, esas intrigantes presencias se delinean con fuerza compositiva en medio de atmósferas inciertas, sin embargo, en conjunto nos resultan imágenes familiares y conocidas por la psique.

Su proemio de colores, formas y protagonistas se va desarrollando y madurando en un bello discurso pictórico que oscila entre un sofisticado naif, un fascinante fauvismo y un neo expresionismo. Por ello, sus protagonistas se recrean en complejos escenarios que se sitúan en lo más recóndito de la imaginación, llenos de simbolismos, y, por ende, se encuentran muy alejados del mundo consciente. En ese sentido, su obra nos remonta, con lujo de detalle, a un estado puro de entendimiento, bastante apartado de lo real, tal como una primera noción, que apenas va saliendo a la luz, de lo que en verdad es la realidad.

Cabe destacar que lo plasma de una manera lúdica, con algunas referencias prehistóricas, tribales y hasta metafísicas, pero, sobre todo, desde las hondas entrañas de su intuición creativa que le brinda una libertad absoluta a la hora de pintar. Por lo tanto, en sus cuadros observamos alusiones a lo popular, lo instintivo, a situaciones aparentemente infantiles, no obstante, cargadas de significados ocultos, también apreciamos sensaciones escondidas en el espíritu que se materializan de un modo expresionista abstracto y, por supuesto, nos deleitamos con una amplia experimentación de materiales, técnicas y elementos en sus lienzos. Por eso, Lourdes Rivera es una sensible hacedora de originales paletas cromáticas, tanto soleadas como nubladas, una excepcional trazadora de contornos, luces y sombras y, en especial, es una atinada creadora de distintos relieves y composiciones en la pintura. Si bien, dentro de sus piezas reina tanto la espontaneidad como la soltura, tal cual un árbol que no deja de crecer, más no la improvisación sin sentido alguno.”

Adriana Cantoral 2025

English Below

Pintor, ilustrador, grabador, ingeniero papel, diseñador de vestuario y sombreros, fabricante de juguetes escultóricos en pieza única, Bruno Fourure explora varios campos y técnicas artisticas, pinturas en oleo o acuarela, dioramas y arte objeto, realizando una obra figurativa a la frontera del surrealismo.

Bruno Fourure nace el 8 de mayo de 1962 en Lille, Francia. Cursó la licenciatura y Maestría en diseño gráfico en el “Ecole Supérieure des Arts appliqués et textiles” ESAAT, Roubaix, Francia. Y se especializó en técnicas antiguas de grabado en talleres de la Ciudad de México (2018).

Obtuvo el premio de literatura infantil “Octogone” del Centro Nacional de Estudios en Literatura Infantil en la “Fureur de lire” Charleville- Méziè-res, Francia (1991) y la mención honorífica en la 13va edición del premio de literatura infantil Pier Paolo Vergerio, Universidad de Padua, Italia, categoría literatura didáctica (1993).

Formó parte del equipo creativo como autor, guionista y diseñador gráfico para la serie de dibujos animados con el tema de las “mil y una noches” producida por la televisión francesa FRANCE2 (1993-2000)

En sus exposiciones individuales destacan: la feria internacional de arte BADA.MX en CDMX (2020). La muestra de obra gráfica que tiene un espacio permanente en la galería Vórtice en CDMX (2019-2020). Muestra de obra gráfica, arte objeto y cajas en la galería Camino Silvestre en San Miguel de Allende, Gto. (2019). Proyecto y exposición “Ópera de papel” que itinero por varias sedes: centro cultural Teatro García Carrillo en Saltillo, Coahuila (2008); Museo de Arte de Zapopan, Guadalajara, Jal. (2008) centro Educativo y Cultural Manuel Gómez Morín en Queretaro, Qro.

(2006); Museo Universitario del Chopo, CDMX (2005). La serie de arte objeto “el tren de los animales” se presenta en el Papalote-museo del niño de la CDMX (2006). Así mismo el primer libro que diseña en tercera dimensión “La medina de Túnez” se presenta en exposición en la feria internacional del libro infantil en Boloña, Italia (1989). Su trabajo también se presentó en la feria internacional de los ilustradores en Paris, Francia (1985).

En exposiciones colectivas destaca su participación en: galería Aguafuerte y galería Vórtice en CDMX (2020) Sociedad Dante Alighieri en CDMX (2019) Fundación Cultural Trabajadores de Pascual y del Arte, CDMX (2019).

Su obra forma parte de colecciones privadas en Nueva York, USA, Paris, Francia; San Petersburgo, Russia; San Miguel de Allende, Monterrey y la ciudad de México; y San Juan, Puerto Rico.

La obra de Bruno Fourure tiene su origen en el mundo de la infancia, se enraíza profundamente en un trabajo ilustrativo dirigido a un público joven en productos de libros y revistas infantiles, libros en tercera dimensión (pop up book) donde se explora el mundo cruzando los campos del conocimiento, el arte con la ciencia, el arte con la historia y la geografía, el arte con la antropología. Para Fourure la imagen narrativa es el espacio de cruzamiento de los saberes que permite construir un teatro del mundo.

Con el tiempo y los encuentros amplía sus campos de actividades a varios medios artísticos, abriendo por completo el abanico de sus habilidades artísticas: al teatro, con la realización del vestuario de Astrid Hadad, al arte objeto con el deseo de unir la ilustración animalista con el volumen, al arte tridimensional a través de “cajas” en las que el mundo sideral de las constelaciones se vuelve microscópico, a la pintura en óleo, acuarela, acrílica o grabado para reconciliar la memoria familiar y nacional con el tema de la primera guerra mundial.

English

Painter, illustrator, engraver, paper engineer, costume and hat designer, manufacturer of sculptural toys in unique pieces, Bruno Fourure explores various fields and artistic techniques, oil or watercolor paintings, dioramas and object art, creating a figurative work at the frontier of surrealism.

Bruno Fourure was born on May 8, 1962 in Lille, France. He completed a Bachelor's and Master's degree in graphic design at the "Ecole Supérieure des Arts appliqués et textiles" ESAAT, Roubaix, France. And he specialized in ancient engraving techniques in workshops in Mexico City (2018).

He won the "Octogone" children's literature award from the National Center for Studies in Children's Literature at the "Fureur de lire" Charleville-Méziè-res, France (1991) and the honorable mention in the 13th edition of the Pier Paolo Vergerio children's literature award, University of Padua, Italy, didactic literature category (1993).

He was part of the creative team as author, screenwriter and graphic designer for the cartoon series with the theme of “Arabian Nights” produced by French television FRANCE2 (1993-2000)

In his individual exhibitions, the following stand out: the international art fair BADA.MX in CDMX (2020). The exhibition of graphic work that has a permanent space in the Vórtice gallery in CDMX (2019-2020). Exhibition of graphic work, object art and boxes at the Camino Silvestre gallery in San Miguel de Allende, Gto. (2019). Project and exhibition "Paper Opera" that toured several venues: Teatro Garcia Carrillo cultural center in Saltillo, Coahuila (2008); Zapopan Art Museum, Guadalajara, Jal. (2008) Manuel Gómez Morín Educational and Cultural Center in Queretaro, Qro.

(2006); Chopo University Museum, CDMX (2005). The object art series “the animal train” is presented at the Papalote-children's museum in CDMX (2006). Likewise, the first book that he designed in three dimensions, "The medina of Tunis" was exhibited at the international children's book fair in Bologna, Italy (1989). His work was also presented at the International Illustrators Fair in Paris, France (1985).

In collective exhibitions, his participation stands out in: Agua-Vórtice Fort and Gallery in CDMX (2020) Dante Alighieri Society in CDMX (2019) Fundación Cultural Trabajadores de Pascual y del Arte, CDMX (2019).

His work is part of private collections in New York, USA, Paris, France; Saint Petersburg, Russia; San Miguel de Allende, Monterrey and Mexico City; and San Juan, Puerto Rico.

Bruno Fourure's work has its origin in the world of childhood and is deeply rooted in an illustrative work aimed at a young audience in children's book and magazine products, three-dimensional books (pop up book) where the world is explored crossing fields of knowledge, art with science, art with history and geography, art with anthropology. For Fourure, the narrative image is the space where knowledge intersects that allows the construction of a “theater” of the world.

With time and encounters, he broadened his fields of activities to various artistic mediums, completely opening the range of his artistic abilities: to the theatre, with the making of Astrid Hadad's costumes, to object art with the desire to unite animalist illustration with volume, to three-dimensional art through “boxes” in which the sidereal world of the constellations becomes microscopic, to oil painting, watercolor, acrylic or engraving to reconcile family and national memory with the theme of the First World War.

(English below)

Maru Stahl (1990) 
Artista visual originaria de San Luis Potosí, SLP.
Inició su formación en el ámbito del diseño gráfico, la animación y el diseño digital, complementando su práctica con talleres de pintura, ilustración y cerámica en el Centro de las Artes de San Luis Potosí y en el Centro Cultural el Nigromante en San Miguel de Allende, así como con una exploración constante desde su taller.

Su obra se desarrolla a través de técnicas como la acuarela, la cerámica, la pintura acrílica y el óleo, a partir de las cuales explora e intenta sublimar emociones, sueños, ideas y pensamientos, permitiéndoles tomar forma y evolucionar. Su producción se inclina hacia lo figurativo, con un interés recurrente en la feminidad, los paisajes y las nubes, así como en la creación de formas y realidades que siguen sus propias reglas y flujos.

Su trabajo ha formado parte de exposiciones individuales y colectivas en espacios culturales, galerías y museos. Actualmente radica en San Miguel de Allende, Guanajuato, donde trabaja como vendedora de arte y desarrolla su práctica artística a través de la pintura y la cerámica

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Maru Stahl (1990)
Visual artist originally from San Luis Potosí, SLP.

She began her training in the fields of graphic design, animation, and digital design, complementing her practice with workshops in painting, illustration, and ceramics at the Centro de las Artes de San Luis Potosí and Centro Cultural El Nigromante in San Miguel de Allende, as well as through ongoing independent exploration in her studio.

Her work develops through techniques such as watercolor, ceramics, acrylic painting, and oil painting, through which she explores and seeks to sublimate emotions, dreams, ideas, and thoughts—allowing them to take form and evolve. Her production leans toward figuration, with a recurring interest in femininity, landscapes, and clouds, as well as in the creation of forms and realities that follow their own rules and rhythms.

Her work has been included in both solo and group exhibitions in cultural spaces, galleries, and museums. She currently lives in San Miguel de Allende, Guanajuato, where she works as an art salesperson while continuing to develop her artistic practice through painting and ceramics.

Escultor originario de Cuernavaca, Morelos, su vínculo con la escultura nació desde la infancia, cuando descubrió en ella una forma de expresar su imaginación y su particular manera de observar el mundo.

Desde niño ha sentido una profunda fascinación por los animales, a los que observa y recrea desde una perspectiva lúdica y espontánea. En su obra, los animales adquieren nuevas personalidades y aparecen en posiciones y situaciones que, aunque quizá nunca realizarían en la vida real, surgen de su imaginación como una invitación al juego y a la fantasía.

Su proceso creativo parte de la libertad de imaginar más allá de lo cotidiano. A través de sus esculturas busca dotar a cada pieza de movimiento, humor y carácter, convirtiendo a los animales en protagonistas de escenas inesperadas que despiertan curiosidad y simpatía.

Más allá de representar una especie o una figura, su obra tiene como propósito transmitir alegría. Cada escultura busca generar una emoción sencilla pero poderosa: provocar una sonrisa en quien la contempla y recordarle que también existe un espacio para el juego, la imaginación y el asombro.

español:

Originaria de Guadalajara, Jalisco, es una artista visual con formación profesional en restauración de arte y un fuerte compromiso con la conservación del patrimonio artístico. Su práctica se enfoca en el arte figurativo, explorando su deconstrucción desde una perspectiva académica que busca trascender lo tradicional y adentrarse en propuestas más contemporáneas. A través del estudio de diversas paletas de color y enfoques técnicos, su obra investiga nuevas formas de representación sin perder la esencia del cuerpo y la figura.

Gracias a su formación como restauradora, su trabajo se distingue por un alto nivel de precisión técnica y un uso consciente de materiales que garantizan la durabilidad y preservación de cada pieza. Ha sido guiada por destacados artistas tanto nacionales como internacionales, enriqueciendo así su proceso creativo y su visión artística.

Con más de seis años de experiencia como mentora en artes visuales, ha acompañado a nuevos talentos en su desarrollo y ha colaborado estrechamente con clientes en proyectos personalizados y obras por encargo. Actualmente, continúa desarrollando su cuerpo de obra mientras permanece activa en la formación de nuevas voces artísticas, promoviendo una visión integral del arte: desde su creación hasta su conservación.

English:

Originally from Guadalajara, Jalisco, she is a visual artist with professional training in art restoration and a strong commitment to the conservation of artistic heritage. Her practice focuses on figurative art, exploring its deconstruction through an academic lens that seeks to move beyond traditional approaches and into more contemporary expressions. Through the study of diverse color palettes and technical methods, her work explores new ways of representing the human figure while preserving its essence.

Thanks to her background in restoration, her artwork is distinguished by a high level of technical precision and a thoughtful use of materials that ensure the longevity and preservation of each piece. She has studied under renowned national and international artists, enriching both her creative process and artistic vision.

With over six years of experience as a mentor in the visual arts, she has guided emerging artists in their development and worked closely with clients on personalized projects and commissioned works. She currently continues to develop her own body of work while actively supporting the growth of new artistic voices, promoting a comprehensive approach to art—from creation to conservation.

Romeria Louise es una artista visual radicada en San Miguel de Allende, Guanajuato. Su práctica se centra principalmente en la pintura abstracta de técnica mixta, complementada por la cerámica, el collage y el diseño de mobiliario.

Su obra nace de una observación sensible de la naturaleza, particularmente de sus formas orgánicas, ritmos y tonalidades, que transforma en composiciones gestuales donde el paisaje se convierte en emoción, movimiento y experiencia. A través de capas, veladuras, texturas y transparencias, desarrolla un proceso intuitivo en el que el color funciona como fuente de energía y expresión.

Cuenta con formación en Medios Artísticos y Diseño de Interiores por Northern Arizona University, Estados Unidos, y en Artes Visuales y Negocio del Arte por Milan Art Institute. Tras varios años de ejercer profesionalmente en el campo del diseño de interiores, actualmente se dedica al arte de tiempo completo.

Su trayectoria expositiva ha tenido un crecimiento significativo durante 2026. Fue seleccionada para participar con BADA México durante la Semana del Arte de la Ciudad de México, donde la recepción de su trabajo le valió una nueva invitación para la edición de 2027. Durante el mismo año ha participado en diversas exposiciones colectivas en San Miguel de Allende y en proyectos con proyección internacional.

La obra de Romeria Louise se distingue por su calidez, vitalidad y sensibilidad hacia la naturaleza. A través de la abstracción, busca crear espacios visuales capaces de despertar en el espectador una emoción personal: un instante de alegría, curiosidad o asombro.

Patricia Monarca

San Miguel de Allende, Guanajuato, México. 2003
Es estudiante en la licenciatura en Artes Visuales en el Instituto Allende, incorporada a la Universidad de Guanajuato.

Interesada en la naturaleza del espacio y su reconfiguración, explora cómo la sobrecarga sensorial altera su percepción. A través de la pintura, construye imágenes mediante una figuración gestual y fragmentada que transita entre lo visible y lo ficticio.

Cuenta con una exposición individual titulada Llanura en la Biblioteca pública A.C en San Miguel de Allende (2024), y otras varias colectivas en las que se destaca Tertulia en ENSO galería en San Miguel de Allende (2024).

Declaración

Mi práctica parte del reconocimiento de la pintura como un medio para comprender y descomponer el entorno. A través de una recolección fragmentaria de lecturas, noticias, relatos y ficciones, me permito ralentizar el proceso de creación y dedicarme a la observación detenida de la naturaleza.

La pintura se convierte así en un espacio de sobriedad frente a la sobrecarga sensorial y las estructuras de poder que nos atraviesan.

Me interesa explorar las múltiples dimensiones de la condición humana y su lugar ante la dinámica social de la época, reconociendo tanto su fragilidad, como su capacidad de transformación.

Exposiciones individuales

2024 Llanura, Biblioteca Pública A.C. San Miguel de Allende, Gto.

Exposiciones colectivas

2025 Hacer marcas, Instituto Allende Casa Museo. San Miguel de Allende, Gto.

2024 Fragmenta, Moyshen the gallery, Fábrica la Aurora. San Miguel de Allende, Gto.

2024 Tertulia, Galería ENSO. San Miguel de Allende, Gto.

2024 No, gracias, Pop up. San Miguel de Allende, Gto.

2023 Lo que se ve no se juzga, La cochera taller y galería. Santiago de Querétaro, Qro.

2023 Fragmentos de Tiempo, Tres espacio. San Miguel de Allende, Gto.

Formación Académica

2022 - En curso Licenciatura en Artes Visuales, Instituto Allende, San Miguel de Allende, Guanajuato.

Proyectos curatoriales

2025 Hacer marcas, Exposición colectiva en Instituto Allende Casa Museo, San Miguel de Allende, Gto.

2024 Fragmenta, Exposición colectiva en Moyshen the gallery, Fábrica la Aurora, San Miguel de Allende, Gto.

Colaboración

2025 Fulanito de tal, quiere ser artista. Exposición colaborativa de Tania Quezada, Galería Libertad, Santiago de Querétaro, Qro.

Rosa Maria del Toro , pintora y ceramista mexicana, nace en Mazatlan en 1964. Desde su infancia se va a vivir a Guadalajara donde mas tarde estudia la carrera de diseño gráfico. Posteriormente se traslada a Torreón (1984), donde a lo largo de 30 años continúa volcada en su actividad artistica, y realiza exposiciones individuales y colectivas. A lo largo de estos años ha expuesto tanto en México, como en el extranjero.

Actualmente vive en n Mazatlan, Sinaloa. “Mi obra habla de mundos interiores y experiencias personales, de personajes habitantes de esos mundos y que observan el exterior o realidad con mirada de niño, como observar un juego. Me gusta integrar en mi obra lo abstracto y lo figurativo, lo inconcluso, lo liquido, lo sólido y lo etéreo. Me gusta integrar la dualidad. Mi dualidad. La mayoría de mi obra pictórica está hecha en acrílico y acuarela, y en la cerámica uso acuarelas cerámicas, engobes y crayones mezclados”

SENORCITOS Serie de esculturas en cerámica. La más reciente serie de esculturas en cerámica titulada Señorcitos es una exploración íntima del paisaje interior. Cada pieza es un testimonio visual del proceso de perderse mental y emocionalmente, para luego reencontrarse desde un lugar más auténtico, y honesto. Nacidas de una etapa de profunda introspección, estas esculturas reflejan el transito por experiencias limite, pensamientos intrusivos, sobrecarga emocional, y una lucha silenciosa con la propia mente. En este umbral de lo abrumador, la artista encontré figuras simbólicas, personajes que habitan su psique, entidades internas que al principio fueron conflicto, pero que con el tiempo se revelaron como aspectos esenciales de sí misma. A través de una cerámica sensible, expresiva y cuidadosamente detallada, la artista transforma la materia en metáfora, dando forma a la coexistencia de nuestras múltiples voces interiores. Señorcitos son una obra sobre salud mental, una celebración de la complejidad humana, de los diálogos internos que nos definen, y de la posibilidad de habitarnos en paz.

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Rosa Maria del Toro, a Mexican painter and ceramicist, was born in Mazatlan in 1964. She moved to Guadalajara as a child, where she later studied graphic design. She then relocated to Torreón (1984), where she has dedicated herself to her artistic pursuits for 30 years, holding solo and group exhibitions. Throughout these years, she has exhibited both in Mexico and abroad.

She currently lives in Mazatlán, Sinaloa. “My work speaks of inner worlds and personal experiences, of characters inhabiting those worlds who observe the outside world or reality with the eyes of a child, like watching a game. I like to integrate the abstract and the figurative, the unfinished, the liquid, the solid, and the ethereal into my work. I like to integrate duality. My duality. Most of my paintings are done in acrylic and watercolor, and in my ceramics I use ceramic watercolors, engobes, and crayons mixed together.”

Little Gentlemen: A Series of Ceramic Sculptures. The artist's latest series of ceramic sculptures, titled Little Gentlemen, is an intimate exploration of the inner landscape. Each piece is a visual testament to the process of becoming lost mentally and emotionally, only to rediscover oneself from a more authentic and honest place. Born from a period of profound introspection, these sculptures reflect the journey through challenging experiences, intrusive thoughts, emotional overload, and a silent struggle with one's own mind. On this threshold of the overwhelming, the artist found symbolic figures, characters that inhabit her psyche, internal entities that were initially a source of conflict, but which over time revealed themselves as essential aspects of herself. Through sensitive, expressive, and meticulously detailed ceramics, the artist transforms matter into metaphor, giving form to the coexistence of our multiple inner voices. Little Gentlemen is a work about mental health, a celebration of human complexity, of the internal dialogues that define us, and of the possibility of inhabiting ourselves in peace.

ENGLISH

Erick is a contemporary mexican folklore artist from San Cristóbal de las Casas, Chiapas, Mx.

The patterns of his work are inspired by the tiles of the house of his grandparents in the mountains of San Cristóbal de las Casas. For decades, her grandmother searched for discarded tiles on the streets and added to her house and patios, the entire floor did not match, all the tiles were different colors and textures and each one represented different times of Mexico. The tiles are read as a timeline of a cultural and creative change in Chiapas from one end of the floor to the other. Since then he has tried to recreate those patterns and tell his own stories.

On this occasion Erick presents us his paintings, in which he captures moments when his grandmother healer of San Cristóbal, helped people to improve their health through traditional medicine, all these events happened at his grandmother's house where Erick witnessed of such facts, one of the main remedies is the ointment for burned, this ointment cured hundreds of people.

ESPAÑOL

Erick es un pintor de Folklore Mexicano Contemporáneo de San Cristóbal de las Casas, Chiapas, Mx.

Los patrones de su obra están inspirados en los azulejos de la casa de sus abuelos en las montañas de San Cristóbal de las Casas. Durante décadas, su abuela buscó en las calles baldosas desechadas y agregó nuevas cada mes en su casa y patios, todo el piso no coincidía, todas las baldosas eran de diferentes colores y texturas y cada una representaba una época diferente de Mexico. Los azulejos se leen como una línea de tiempo del cambio cultural y creativo en Chiapas de un extremo al otro del piso. Desde entonces ha intentado recrear esos patrones y contar sus propias historias.

En esta ocasión Erick nos presenta sus pinturas, en las que captura momentos en que su abuela curandera de San Cristóbal, ayudaba a las personas a mejorar su salud a través de la medicina tradicional, todos estos hechos sucedieron en la casa de su abuela donde Erick presenció tales hechos, uno de ellos, el remedio principal es la pomada para quemaduras, esta pomada curó a cientos de personas.

JOSE AYALA SOTELO

ENGLISH

Jose is from Ixtapan de la Sal, State of Mexico. His parents come from humble beginning, while his parents worked, they would give his brothers and Jose small pieces of clay to play with. From there he grew to love working in clay, as his talent was recognized, he had the opportunity to develop is artistic talents. While attending the university, Bellas Artes Ixtapan, he studied ceramics and other arts. His pieces are a mix of traditional and modern art.

Jose Antonio Ayala Sotelo is a Contemporary Master he won the Grand Prize for Sculptural Ceramic Art in the 43rd Concurso Nacional de Cerámica in Tlaquepaque on june 27 2019.

ESPAÑOL

José es de Ixtapan de la Sal, Estado de México. Sus padres provienen de orígenes humildes, y mientras trabajaban, le daban a él y a sus hermanos pequeños pedazos de arcilla para que jugaran. De allí nació su amor por trabajar con arcilla, y a medida que su talento fue reconocido, tuvo la oportunidad de desarrollar sus habilidades artísticas. Mientras asistía a la universidad, Bellas Artes Ixtapan, estudió cerámica y otras artes. Sus piezas son una mezcla de arte tradicional y moderno.

José Antonio Ayala Sotelo es un Maestro Contemporáneo. Ganó el Gran Premio de Arte Cerámico Escultórico en el 43º Concurso Nacional de Cerámica en Tlaquepaque el 27 de junio de 2019.

Premios y selecciones

Año Premio o selección
2019 Galardón nacional del premio nacional de la cerámica, Tlaquepaque 2019.
2018 Premio único en la categoría de nuevos diseños del concurso nacional árbol de la vida.
2017 Primer lugar en el concurso artesanal, en la categoría de alfarería Ixtapan de la sal 2017.
2017 Premio Jalisco de la cerámica, en la categoría de escultura en cerámica, en el premio nacional de cerámica, Tlaquepaque
2016 Primer lugar en el concurso de alfarería de ornato en el iv concurso artesanal de san pedro Tecomatepec, Ixtapan de la sal.

Exposiciones colectivas (selección)
Año Exposición
2019 De la tierra, Centro Cultural, los Pinos.
2008 Líneas laberínticas, Museo Universitario Leopoldo Flores
2006 Sexto salón anual de la escuela de artes de la uaemex, casa de las diligencias, Toluca, México.
2005 Sexto salón anual de la escuela de artes de la uaemex, casa de cultura de la uaemex, Tlalpan México.
2005 Octavo salón anual de la plástica mexiquense, casa de cultura de Toluca, México.

Exposiciones individuales (selección)

Año Exposición
2018 Cono abierto, escuela de bellas artes de Ixtapan de la sal.
2008 Horizonte circular, museo universitario Leopoldo flores, Toluca, México.

Excedentes de sentido, espacio cultural alebrijes, Ixtapan de la sal, México.

"Amelia Everett es una artista visual y escritora residente en San Miguel de Allende, México. Originaria de Asheville, Carolina del Norte, su práctica artística creció a partir de una devoción por las tradiciones artesanales de las montañas Apalaches. Estudió tejido en la Penland School of Craft, con exploraciones continuas en sus escuelas hermanas Haystack y Arrowmont. La técnica Theo Moorman que utiliza en sus tapices permite la expresión de detalles finos y profundidad de textura, y emplea una mezcla de fibras naturales y reutilizadas.

A lo largo de su práctica, concibe el arte como un sistema vivo que refleja los ritmos cíclicos del mundo natural. Los materiales poseen su propia inteligencia y memoria, actuando como colaboradores en la conformación de cada pieza. Al cultivar este enfoque relacional, pueden surgir nuevas maneras de comprender, influyendo no solo en cómo nos relacionamos unos con otros, sino también en cómo imaginamos, construimos y sostenemos nuestro mundo."

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"Amelia Everett is a visual artist and writer residing in San Miguel de Allende, Mx. Originally from Asheville, NC, her artistic practice grew from a devotion to the traditions of craft in the Appalachian mountains. She studied weaving at Penland School of Craft, with continued explorations at their sister schools Haystack and Arrowmont. The Theo Moorman technique utilized in her tapestries allows expression of fine detail and depth of texture, and employs a mixture of natural and repurposed fibers. Across her practice, she approaches art as a living system that mirrors the cyclical rhythms of the natural world. Materials carry their own intelligence and memory, acting as collaborators in shaping each piece. In cultivating this relational approach, new ways of understanding can emerge, influencing not only how we engage one another, but how we imagine, build and sustain our world."

Originally from the Hudson Valley New York, she have made her home in San Miguel de Allende, Mexico since 2009. She was formerly the owner of America House Gallery in Piermont, NY, and of Dragon Tree Design, a garden design/build company. After graduating university she made her living as a batik artist, showing at national and regional shows, winning a first prize from the Pennsylvania Guild of Craftsmen annual Exhibition.

She studied painting with Mary Brenneman, Maggie Siner, Nick Wilton, Ian Roberts, Carmen Jimenez, Lourdes Rivera, among others in Mexico, the US and Europe.

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Originalmente del Valle del Hudson, Nueva York, ha hecho de San Miguel de Allende, México, su hogar desde 2009. Anteriormente fue propietaria de America House Gallery en Piermont, NY, y de Dragon Tree Design, una empresa de diseño y construcción de jardines. Después de graduarse de la universidad, se ganó la vida como artista de batik, exponiendo en muestras nacionales y regionales, y obteniendo un primer premio en la Exposición Anual del Pennsylvania Guild of Craftsmen. Estudió pintura con Mary Brenneman, Maggie Siner, Nick Wilton, Ian Roberts, Carmen Jiménez y Lourdes Rivera, entre otros, en México, Estados Unidos y Europa.

Roberto Bear es un artista visual autodidacta, quien desde pequeño mostró talento para el dibujo y la pintura. Si bien es aún considerado como artista emergente, su trayectoria con la escultura inició hace ya casi una década; área de las artes plásticas en las que ha decidió enfocarse primordialmente.

Su técnica es probablemente única, puesto que nadie como él ha sabido hasta el momento cómo sacar provecho de todo tipo de envase plástico que llega a sus manos para dar forma a complejas estructuras que posteriormente son revestidas con una pasta procesada personalmente elaborada con papel o cartón. El resultado termina siempre sorprendiendo: robustas esculturas con formas humanas que al tacto y a la vista más bien parecen esculpidas en piedra o cantera. Su técnica ha sido el fruto de un proceso de economía de aprendizaje que ha perfeccionado con los años; teniendo siempre como objetivo el reciclaje de plástico, papel y cartón.

La figura femenina es hasta el momento el tema predilecto en el que ha basado la mayor parte de su obra, la cual aprovecha magistralmente para abordar temas sensibles como el cáncer de mama, el pie diabético y la violencia contra la mujer. Actualmente, continúa desarrollando proyectos escultóricos con los que pretende concientizar al público de la importancia y aprovechamiento del reciclaje.

Destruir para reconstruir,
desechos perniciosos que
se transfiguran y se recomposicionan.
Transmutan de inertes a etéreos...
y viceversa;
iniciando diálogos o discursos
que sólo pretenden hacernos recapacitar
sobre lo que estamos haciendo
y el porqué lo hacemos.
No sé cómo definir mi trabajo con
exactitud. Sólo sé que un día comencé
a reciclar todo aquello que caía en mis
manos: cartones, revistas, botellas.
Los envases me permiten realizar
estructuras que recubro con una pasta
hecha de cartón y papel reciclado que
elaboro yo mismo, y la cual he ido
perfeccionando con el tiempo.
Totalmente autodidacta. Comencé por
el dibujo e incursioné también en la
pintura; sin embargo, he hallado en la
escultura el medio adecuado para
transmitir ideas, puntos de vista y
principalmente...
mis convicciones.

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Roberto Bear is a self-taught visual artist, who from a young age showed talent for drawing and painting. Although he is still considered an emerging artist, his career with sculpture began almost a decade ago; area of ​​the plastic arts on which he has decided to focus primarily.

His technique is probably unique, since no one like him has known until now how to take advantage of all types of plastic packaging that comes into his hands to shape complex structures that are subsequently covered with a personally processed paste made from paper or cardboard. . The result always ends up surprising: robust sculptures with human forms that to the touch and sight seem more like they were sculpted in stone or quarry. His technique has been the fruit of a process of learning economy that he has perfected over the years; always aiming to recycle plastic, paper and cardboard.

The female figure is to date the favorite theme on which she has based most of her work, which she masterfully takes advantage of to address sensitive topics such as breast cancer, diabetic foot and violence against women. Currently, he continues to develop sculpture projects with which he aims to raise public awareness of the importance and use of recycling.

Destroy to rebuild, pernicious waste that is transfigured and recomposed.

They transmute from inert to ethereal...

and vice versa;

starting dialogues or speeches that only aim to make us think about what we are doing and why we do it.

I don't know how to define my job exactly. I only know that one day I started recycling everything I could get my hands on: cardboard, magazines, bottles.

The containers allow me to make structures that I cover with a paste made of cardboard and recycled paper that I make myself, and which I have perfected over time.

Completely self-taught. I started with drawing and also ventured into painting; However, I have found in sculpture the appropriate medium to transmit ideas, points of view and mainly...

my convictions.

ENGLISH

Jorge Francisco Hernández is a painter from Guanajuato who is mainly interested in the landscape, a pictorial genre that he considers inexhaustible and that can be approached in many ways. In addition to considering that it has a great validity and plastic possibilities.

He studied philosophy with a focus on the branch of Aesthetics, at the University of Bologna in Italy.

Since he was a child he attended the painting workshop of the master Javier Hernández "Capelo" and has taken courses in pictorial techniques with the master Luis Nishizawa.

The paintings exhibited in the Manuk gallery are part of the series "A time to shut up". His motivation stems from the joy of observing nature as a counterpoint to the time full of speed and contradictions in which we live. In addition, each painting is an invitation to reflection, to silence, to the act of active contemplation and that seeks to set aside excesses in the search for a more elaborate theme to communicate a message clearly and for all audiences, but without sacrificing in depth. A little in the spirit of the phrase attributed to Ortega y Gasset: "Clarity is the courtesy of the philosopher."

The pictorial technique chosen for this series was tempera. Technique that dates back to ancient times and that possibly had its origin in Egypt and which was brought to its highest degree of perfection by the Renaissance masters and was overshadowed for centuries by the arrival of oil. It has the characteristics of using the egg yolk as a binder, of having a particular luminescence and of not making a chemical reaction with the pigments or of turning yellowish (as in the case of oil) over time.

ESPAÑOL

Jorge Francisco Hernández es un pintor guanajuatense qué se interesa principalmente en el paisaje, género pictórico al que considera inagotable y que puede ser abordado de muchas maneras. Además de que considera que tiene una gran vigencia y posibilidades plásticas.

Estudió filosofía con enfoque en la rama de la Estética, en la universidad de Bolonia en Italia.

Desde niño asistió al taller de pintura del maestro Javier Hernández "Capelo" y ha tomado cursos de técnicas pictóricas con el maestro Luis Nishizawa.

Los cuadros exhibidos en la galería Manuk son parte de la serie "Un tiempo para callar". Su motivación nace desde la alegría de la observación de la naturaleza como contrapunto a la época llena de velocidad y contradicciones en que vivimos. Además cada cuadro es una invitación a la reflexión, al silencio, al acto de la contemplación activa y que pretende dejar de lado excesos en la búsqueda de una temática más elaborada para comunicar un mensaje de manera clara y para todo público, pero sin sacrificar en profundidad. Un poco dentro del espíritu de la frase atribuida a Ortega y Gasset: "La claridad es la cortesía del filósofo".

La técnica pictórica escogida para este serie fue el temple. Técnica que data desde la antigüedad y que posiblemente tuvo su origen en Egipto y la cual fue llevada a su más alto grado de perfección por los maestros del renacimiento y que quedó opacada durante siglos por la llegada del óleo. Tiene las características de usar la yema de huevo como aglutinante, de tener una particular luminiscencia y de no hacer reacción química con los pigmentos o de tornarse amarillenta (Como el caso del óleo) a través de tiempo.

Sacha Beverley es una galardonada artista abstracta originaria de la Costa Dorada, Australia, y radicada en Puerto Vallarta, México, desde 2018. Con formación en diseño de interiores, comprende el poder del arte para transformar un espacio, no solo visualmente, sino también emocionalmente. Su obra es audaz, expresiva y profundamente estratificada, inspirada en el movimiento, la naturaleza y la energía del mundo que la rodea. A través del color, la textura y la forma, crea pinturas que evocan emociones, inspiran alegría y transmiten una sensación de armonía a quienes las contemplan.

Más allá de la estética, Sacha cree en los beneficios terapéuticos del arte, tanto en su creación como en la conexión que genera con las personas. Para ella, pintar es una forma de meditación, un modo de canalizar emociones y contar historias no dichas. Muchos coleccionistas han compartido cómo su obra les brinda serenidad e inspiración, reforzando su convicción sobre el poder sanador del arte.

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Sacha Beverley is an award winning abstract artist originally from the Gold Coast, Australia, now based in Puerto Vallarta, Mexico since 2018.  With a background in interior design, she understands the power of art to transform a space, not just visually, but emotionally. Her work is bold, expressive, and deeply layered, inspired by movement, nature, and the energy of the world around her. Through colour, texture, and form, she creates paintings that evoke emotion, spark joy, and bring a sense of harmony to those who experience them. 

Beyond aesthetics, Sacha believes in the therapeutic benefits of art, both in its creation and in the way it connects with people. Painting is her form of meditation, a way to channel emotions and tell untold stories. Many art collectors have shared how her work brings them a sense of calm and inspiration, reinforcing her belief in art’s healing power. 

ENGLISH

Elizabeth Adlung is an artist who spent many years in the computer field, indulging in her artwork whenever precious time and opportunities could be found. She finds inspiration in a wide variety of techniques and mediums to create her artworks.

Although mostly self-taught, Elizabeth studied collage with Leo Manso and painting with Sam Feinstein in New York City and Eugene van Lamsweerde in France. She exhibited paintings in the 22 Wooster Gallery in New York City and jewelry in the Fuller Craft Museum in Massachusetts.

Since living in San Miguel for several years she has collaborated with Mexican metalwork artists to create colorful sparkling insects and birds. Indigenous Huichol crafts inspired her technique of attaching colorful beads to a variety of objects. To construct each piece, she uses bits and pieces of castoff jewelry, all kinds of rhinestones and beads, and carefully blends colors, textures and shapes to construct lovable, humorous birds and insects.

ESPAÑOL

Elizabeth Adlung es una artista que pasó muchos años en el campo de la informática, dedicándose a su arte siempre que encontraba tiempo y oportunidades. Encuentra inspiración en una amplia variedad de técnicas y materiales para crear sus obras de arte.

Aunque en su mayoría es autodidacta, Elizabeth estudió collage con Leo Manso y pintura con Sam Feinstein en la ciudad de Nueva York, y con Eugene van Lamsweerde en Francia. Exibió pinturas en la 22 Wooster Gallery de Nueva York y joyas en el Fuller Craft Museum en Massachusetts.

Desde que vive en San Miguel, ha colaborado con artistas mexicanos de trabajo en metal para crear insectos y aves coloridas y brillantes. Los artesanías indígenas Huichol inspiraron su técnica de adherir cuentas coloridas a una variedad de objetos. Para construir cada pieza, utiliza fragmentos de joyas desechadas, todo tipo de piedras de imitación y cuentas, y combina cuidadosamente colores, texturas y formas para crear aves e insectos encantadores y humorísticos.

Diseñador gráfico por la Universidad de La Salle Bajío. Desde el año 2003 se ha desarrollado además, como artista plástico, exponiendo en diferentes ciudades de la República Mexicana y Estados Unidos. Representa sus obras principalmente por medio de técnicas mixtas de pintura, pero utiliza también la serigrafía y la ilustración digital como medios de expresión. Su estilo se caracterizó en un principio por la representación figurativa mezclada con expresiones y trazos de apariencia accidentada; eso ha ido evolucionando a otros estilos que van desde el plano abstracto hasta la pintura no objetiva. Siempre en aras de la representación, utiliza diferentes recursos plásticos que dejen en claro sus intenciones pictóricas y de narrativa visual.

Manifiesto

Veo mi obra como un ejercicio de traducción de información codificada en un proceso ágil y automático, de este ejercicio resulta una afortunada mezcla que al final se acerca demasiado a la imagen inicial que tenía en mente, con más ganancias que pérdidas consigo plasmar imágenes para contemplación y convivencia, ya que percibo el arte como una poderosa conexión entre el espectador y la pieza, una unión que detona pensamientos y sensaciones diversas.

En el arte no objetivo encuentro la comodidad de un universo de expresión que me permite sembrar inquietudes e interrogantes en el espectador, retándolo de manera sutil a explorar la obra, sacando conclusiones y apropiándose de ella.

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Graphic designer from the University of La Salle Bajío.

Since 2003 he has also developed as a plastic artist, exhibiting in different cities of the Mexican Republic and the United States.

He represents his works mainly through mixed painting techniques, but also uses screen printing and digital illustration as means of expression.

His style was initially characterized by figurative representation mixed with expressions and strokes of rugged appearance; That has evolved into other styles that range from the abstract plane to non-objective painting. Always for the sake of representation, he uses different plastic resources that make his pictorial and visual narrative intentions clear.

Manifest

I see my work as an exercise in translating coded information in an agile and automatic process. This exercise results in a fortunate mix that in the end is too close to the initial image I had in mind, with more gains than losses I manage to capture images for contemplation. and coexistence, since I perceive art as a powerful connection between the viewer and the piece, a union that triggers diverse thoughts and sensations.

In non-objective art I find the comfort of a universe of expression that allows me to sow concerns and questions in the viewer, subtly challenging them to explore the work, drawing conclusions and appropriating it.

José Bustillos Herrera es un destacado artesano del estado de Guerrero, específicamente del pintoresco pueblo de Xalitla. Este pueblo forma parte del municipio de Tepecoacuilco de Trujano, situado en la región del Alto Balsas, reconocida por su población indígena náhuatl. En esta región conviven 21 pueblos originarios náhuatl, cada uno con su rica herencia cultural. El trabajo de José se centra en la creación de alfarería artística en blanco y negro, una labor que no solo es un arte, sino también una forma de preservar las historias y tradiciones de su región indígena. Su dedicación al pintado a mano refleja un profundo respeto por el legado cultural de su comunidad.

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José Bustillos Herrera is a prominent artisan from the state of Guerrero, specifically from the picturesque town of Xalitla. This town is part of the municipality of Tepecoacuilco de Trujano, located in the Alto Balsas region, renowned for its Nahuatl indigenous population. Twenty-one Nahuatl indigenous communities coexist in this region, each with its own rich cultural heritage. José's work focuses on the creation of artistic black and white pottery, a pursuit that is not only an art but also a way to preserve the stories and traditions of his indigenous region. His dedication to hand-painting reflects a deep respect for the cultural legacy of his community.

En Contemplaciones Líquidas, exploro cómo la modernidad fluye, se congela y se evapora. Conformando escenarios donde el tiempo y la materia dialogan; generando fragmentos de nuestros paisajes culturales y las estructuras que moldean nuestras experiencias y cómo esas huellas se manifiestan visualmente.

Esta serie de obras se construyen desde la observación atenta de una realidad en constante transformación. Buscan capturar contradicciones de la modernidad líquida, la tensión entre lo estable y lo efímero, lo tangible y lo intangible, y traducirlas en paisajes abstractos que invitan a una introspección placentera.

Esta serie surge de procesos y materiales diversos (cianotipia, técnicas fotosensibles, agua, ceras y pigmentos) que, aunque en apariencia contradictorios, coexisten para generar un lenguaje visual que combina lo pictórico con lo experimental.

Cada elemento se articula mediante reacciones químicas, veladuras y capas de color, en una búsqueda constante por equilibrar lo frío y lo cálido, lo orgánico y lo estructurado. El resultado son superficies que funcionan como fragmentos de un paisaje mayor: manifestaciones de procesos naturales y artísticos que se superponen, tal como ocurre en la vida contemporánea.

No concibo la práctica artística aislada de su tiempo: creo en su poder transformador para cuestionar, sensibilizar y abrir nuevas formas de percepción.

A través de mi trabajo invito a sumergirse en espacios visuales que funcionan como espejos y mapas, donde los espectadores puedan reconocer su propio tránsito en medio de las corrientes cambiantes de la época.

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In Liquid Contemplations, I explore how modernity flows, freezes, and evaporates. I create scenarios where time and matter intersect; I generate fragments of our cultural landscapes and the structures that shape our experiences, and how these traces manifest visually.

This series of works is constructed from the close observation of a constantly changing reality. They seek to capture the contradictions of liquid modernity, the tension between the stable and the ephemeral, the tangible and the intangible, and translate them into abstract landscapes that invite pleasurable introspection.

This series emerges from diverse processes and materials (cyanotype, photosensitive techniques, water, waxes and pigments) that, although seemingly contradictory, coexist to generate a visual language that combines the pictorial with the experimental.

Each element is articulated through chemical reactions, glazes, and layers of color, in a constant quest to balance the cold and the warm, the organic and the structured. The result is surfaces that function as fragments of a larger landscape: manifestations of natural and artistic processes that overlap, just as they occur in contemporary life.

I don't conceive of artistic practice in isolation from its time: I believe in its transformative power to question, raise awareness, and open up new forms of perception.

Through my work, I invite you to immerse yourself in visual spaces that function as mirrors and maps, where viewers can recognize their own journey amidst the changing currents of the times.

Juan Luis Potocsi 1987 León GTO.

Radicado en San Miguel de Allende. GTO

Escultor contemporáneo

declaración del artista

Soy un escultor experimental que utiliza diversos materiales, en su mayoría piezas recicladas del paisaje de la ciudad, y técnicas como el tallado, el modelado y la soldadura para construir personajes mitológicos y enigmáticos. Mi trabajo se basa en la capacidad del cuerpo humano para transmitir emociones.

La anatomía, el lenguaje corporal y los rituales posmodernos son algunas de mis fuentes de inspiración. Exploro la relación simbiótica entre el cuerpo, los materiales y las emociones. El resultado final es una figura misteriosa que me permite permanecer conectado con las sensaciones primarias.

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contemporary sculptor

artist statement

I am an experimental sculptor who uses various materials, mostly recycled pieces from the city landscape, and techniques such as carving, modeling and welding to build mythological and enigmatic characters. My work is based on the ability of the human body to transmit emotions.

Anatomy, body language and postmodern rituals are some of my sources of inspiration. I explore the symbiotic relationship between the body, materials and emotions. The final result is a mysterious figure that allows me to stay connected with primary sensations.

Exposiciones

“Ensamble visual” Museo Torres Bicentenario, Toluca, MX. 2022

"Panorama" galería Jesús Gallardo, León GTO. 2022

"Tú y yo" Museo bicentenario de dolores Hidalgo. 2020

"Somos calle" Casa Liceo. Gdl. Jalisco. 2019

"Asmodea" Centro de las artes. QRO.Qro. 2019

"50 años de lasallismo" MIM, León GTO. 2018.

Incubadora 3.0. Gdl. Jalisco. 2017

"Historias en carbón" Museo verde. León gto. 2017

"Somosformasomos" Universidad de Guanajuato. León gto. 2009

TALLER CERAMICA LA CRUZ

Este taller se abre en 1988 con el nombre de Gallo de Oro y se cierra en 1992. En el año 2000 se abre con el nombre de Cerámica la Cruz.

Exposiciones individuales:

Aniversario de Galerías Liverpool, ciudad de México, 1989. Casa la Colmena en San Miguel de Allende, Gto.,1989. Cuarta Semana Cultural de Zacatecas, Teatro Armando Calderón, 1990. Museo Regional de Querétaro, INAH, 1990. Museo Regional, Acámbaro, Gto.,1991. Asociación Cultural Pedregal, León, Gto., 1991. Museo de Arte Contemporáneo, Morelia, Mich., Casa de la Cultura de Tlalpan, México, D.F. 1991. Homenaje póstumo a Arturo Hernández Martínez, fundador del Taller en el XXX Festival Internacional Cervantino, Museo del Pueblo, Guanajuato, Gto., 2002

Exposiciones Colectivas

Cerámica Mexicana Contemporánea, La Habana, Cuba, promovida por FONART, 1987. Casa de Artesanías en Monterrey, N.L., 1988. Muestra Artesanal en la Casa Reyes Heroles, México, D.F. promovida por FONART, 1988. Centro Cultural de la Ciudad de Chihuahua, 1989, Centro Cultural México-Americano, Monterrey, N.L, 1989. Fomento Cultural Guanajuato, León, Gto, 1989. Exposición con Alfarerías Capelo en Museo Iconográfico, Guanajuato, Gto, 1989. Galería El Cascabel, Guanajuato, Gto, 1989. Galería de Arte Víctor Navarro, ciclo de Exposiciones de Arte Latinoamericano, México, D.F. 1991. Museo de la Ciudad de León Gto., 1992. Fondo de Cultura Económica, México, D.F,, 1992. Arte Popular Guanajuatense al Mundo, Valle de Napa, California, 2000. Exposición Colectiva Itinerante en el Espiral del Arte, Instituto de Cultura de Guanajuato, Gto,. 2001. Arte Popular, XXX Festival Cervantino, Alhóndiga de Granaditas, Guanajuato, Gto., 2002.

Reconocimiento

Segundo lugar Premio Estatal a la Creatividad Artesanal, Dolores Hidalgo, Gto., 2000.

Tercer Lugar, Categoría: pieza única en Bienal de Cerámica Utilitaria, Museo Franz Mayer, Ciudad de México, 2003

Estudió fotografía en la U. De G., sin embargo, la pintura y el arte urbano ha sido parte primordial en su carrera artística. Su obra pictórica se ha consolidado en el arte abstracto simbólico. Comenzó su carrera como muralista por el año 1999 haciendo graffiti, que posteriormente se convertiría en muralismo abstracto, concretando su estilo, su paleta de color y técnicas.

Actualmente sigue realizando murales y lienzos, con acrílico, aerosol, óleo, óleo pastel y acuarela, implementando técnicas mixtas y experimentales. Su obra ha sido expuesta en diversas muestras internacionales colectivas en España, Portugal, New York, y ha participado en bienales en Costa Rica y Perú.

ENGLISH

A watercolor artisan, she was born in Guadalajara in 1976 where she lived for 30 years, today in León, Guanajuato where she found herself with her old brushes from her university classes and returned to painting.

In León he took several theoretical and technical courses at the Antonio Segoviano School of Plastic Arts, where he discovered that watercolor is his way of expression.

It is considered a bit artisan because it looks for patterns, to create mazes of colored paper. I enjoy paper weaving, shape, texture, each wallpaper braiding creates pieces with unique and fresh stamp.

Somehow she lives inspired by natural scenes, such as oceans of distant islands, plants and flowers of jungles and tropical forests, their bright colors and shapes, ideal for watercolor.

Geometry linked to nature in the creation of organisms is another of her exploration themes, which has led her to use various techniques such as cut paper, playing with layers of paper, collage and even tissue.

This collection made up of 10 pieces is a collection of moments full of color, shapes that create textures and effects with dimension that they seek, in addition to a pleasant visual effect, to cause relaxation by being carried away by repetitive and constant shapes, a bit like the effect visually hypnotizing mazes attract and create a pleasant, comforting and even reflective effect.

Each piece reflects in some way my admiration for the elaboration of handcrafted objects, full of intuition and wisdom that withstands the passage of time, from textile fabrics, the creation of baskets and even the work of nature such as the nests of birds.

ESPAÑOL

Artesana acuarelista, nació en Guadalajara en 1976 donde vivió 30 años, hoy en día en León, Guanajuato donde se reencontró con sus viejos pinceles de sus clases de la universidad y volvió a pintar.

En León tomó varios cursos teóricos y de técnica en la escuela de artes plásticas Antonio Segoviano, en donde descubrió que la acuarela es su medio de expresión.

Se considera un poco artesana porque busca patrones, crear laberintos de papel con color. Disfruto del tejido en papel, la forma, textura, cada trenzado de papel pintado, crea piezas con sello único y fresco.

De alguna manera vive inspirada por las escenas naturales, como océanos de islas lejanas, plantas y flores de selvas y bosques tropicales, sus brillantes colores y formas, ideales para la acuarela.

La geometría unida a la naturaleza en la creación de organismos, es otro de sus temas de exploración, lo que la ha llevado a la utilización de diversas técnicas como papel cortado, jugar con capas de papel, collage y hasta el tejido.

Esta colección formada de 10 piezas es una colección de momentos llenos de color, formas que crean texturas y efectos con dimensión que buscan, además de un efecto visual agradable, causar relajación al dejarse llevar por las formas repetitivas y constantes, un poco como el efecto de los laberintos que visualmente hipnotizan atraen y crean un efecto agradable, reconfortante y hasta de reflexión.

Cada pieza refleja de alguna forma mi admiración por la elaboración de objetos artesanales, llenos de intuición y sabiduría que resiste el paso del tiempo, desde tejidos textiles, la creación de cestas y hasta el trabajo de la naturaleza como los nidos de los pájaros.